Stephen Stills - Stephen Stills - "Love the One You’re With"

 

 

Stephen Stills (1970): un debut imperecedero

Hay discos que nacen como una continuación lógica de una carrera y otros que parecen abrir una puerta completamente nueva. Stephen Stills, publicado en 1970, pertenece a esta segunda categoría. Después de haber formado parte de Buffalo Springfield y de convertirse en una de las voces fundamentales de Crosby, Stills & Nash, con la posterior incorporación de Neil Young, Stills decidió dar un paso adelante y enfrentarse al reto de un álbum en solitario.

Y no era un momento cualquiera.

Los primeros años de la década de los setenta estaban marcados por el final de una época. La explosión contracultural de los sesenta comenzaba a transformarse, el rock adquiría nuevas dimensiones y muchos de los músicos que habían protagonizado aquella revolución buscaban ahora caminos más personales. En ese contexto apareció Stephen Stills, un álbum que reunía folk, rock, blues, country y gospel y que, sobre todo, permitía contemplar al músico sin las limitaciones que imponía trabajar dentro de una banda.

Stills había demostrado ya su enorme capacidad como compositor, pero en este disco descubrimos además a un músico dispuesto a asumir prácticamente todas las responsabilidades. Guitarra acústica, guitarra eléctrica, bajo, teclados, percusión y voz aparecen en distintos momentos de un álbum construido alrededor de su personalidad.

El resultado es un trabajo ambicioso, cálido y sorprendentemente diverso, en el que conviven canciones íntimas con auténticas exhibiciones de guitarra y momentos de una extraordinaria fuerza colectiva.

Un músico en plena ebullición creativa

Cuando Stephen Stills comenzó a trabajar en su primer disco en solitario, no era precisamente un desconocido. Su trayectoria con Buffalo Springfield había dejado algunas de las composiciones más importantes del folk-rock estadounidense, mientras que Crosby, Stills & Nash había demostrado el extraordinario potencial de sus armonías vocales.

Pero el álbum en solitario le ofrecía algo diferente: libertad.

Aquí Stills podía decidir cuándo quería ser un cantante folk, cuándo convertirse en guitarrista de blues, cuándo acercarse al gospel o cuándo dejar que una canción adquiriese una dimensión casi soul.

Esa libertad explica en buena medida la personalidad del disco. No estamos ante una colección de canciones construidas siguiendo una fórmula comercial, sino ante el retrato de un músico intentando descubrir hasta dónde podía llegar por sí mismo.

Y para conseguirlo decidió rodearse de algunos de los mejores músicos de aquel momento.

Una auténtica constelación de estrellas

Uno de los grandes atractivos de Stephen Stills es precisamente su impresionante nómina de colaboradores.

Por el álbum aparecen nombres como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Ringo Starr, Booker T. Jones, Cass Elliot, además de David Crosby y Graham Nash. Una reunión de talentos que podría haber convertido el disco en una simple exhibición de estrellas, pero que Stills consigue integrar dentro de una propuesta sorprendentemente coherente.

La presencia de Jimi Hendrix en "Old Times Good Times" tiene además un valor histórico especial. Hendrix participó en la grabación poco antes de su fallecimiento en septiembre de 1970, por lo que la canción quedó como una de sus últimas apariciones discográficas. Su guitarra aporta un color particular a un tema que ya posee ese carácter nostálgico y ligeramente psicodélico tan propio del cambio de década.

En "Go Back Home", Stills comparte protagonismo guitarrístico con Eric Clapton, otra de las grandes figuras de la guitarra de finales de los sesenta. El resultado es uno de los momentos más intensos del álbum: blues, rock y electricidad unidos en una canción que muestra al Stills más poderoso.

También encontramos a Ringo Starr, acreditado como Richie, además de músicos como Booker T. Jones, cuya experiencia en el soul y el rhythm & blues contribuye a ampliar todavía más la paleta sonora del álbum.

Y, por supuesto, están Crosby y Nash, cuyas voces aparecen para reforzar algunas de las armonías que habían convertido al trío en uno de los grandes fenómenos vocales de la época.

Lo interesante es que, pese a semejante reparto, el disco nunca deja de sentirse como un álbum de Stephen Stills.

             

"Love the One You're With": cuando una frase se convierte en canción

Si existe una canción que representa a este álbum por encima de todas las demás es, sin duda, "Love the One You're With".

Desde sus primeros compases queda claro que estamos ante una canción concebida para ser cantada, compartida y recordada. La guitarra acústica marca el ritmo mientras las percusiones, el órgano y las voces construyen progresivamente un ambiente casi festivo.

La historia detrás de la canción también resulta especialmente curiosa.

Stills contó que Billy Preston le dijo en una conversación una frase que quedó grabada en su memoria:

"If you can't be with the one you love, love the one you're with."

La idea —"si no puedes estar con quien amas, ama a quien está contigo"— terminó convirtiéndose en el eje de la canción.

Pero detrás de su aparente sencillez existe cierta ambigüedad. ¿Es una celebración de vivir el presente o una manera de justificar una situación sentimental complicada? Probablemente ambas cosas.

La canción refleja perfectamente el espíritu de aquellos años: libertad, relaciones menos convencionales, búsqueda de nuevas experiencias y una filosofía de vida basada en no dejar escapar el momento.

Musicalmente, Stills convierte esa idea en un auténtico himno de folk-rock con aromas de gospel y soul. Las voces se multiplican, la percusión aporta movimiento y el órgano crea una atmósfera expansiva que transforma la canción en una celebración colectiva.

No resulta extraño que terminara convirtiéndose en uno de los grandes clásicos de su carrera.

"Do for the Others": la cara más introspectiva

Si "Love the One You're With" representa la cara luminosa y expansiva del álbum, "Do for the Others" nos conduce hacia un terreno mucho más íntimo.

La canción posee una estructura delicada y una interpretación vocal contenida, como si Stills estuviera reflexionando sobre las relaciones humanas, las pérdidas y la necesidad de encontrar un sentido en medio de los cambios.

Aquí aparece uno de los grandes rasgos de su personalidad artística: la capacidad para escribir canciones aparentemente sencillas que esconden una considerable carga emocional.

Stills no necesita grandes artificios. Su voz ligeramente áspera y su guitarra son suficientes para crear una atmósfera cercana, casi confesional.

"Black Queen": Stills se adentra en el blues

Uno de los momentos más sorprendentes del álbum es "Black Queen", una canción que muestra la enorme influencia que el blues tuvo en la formación musical de Stills.

La interpretación posee una intensidad casi primitiva. La guitarra adquiere protagonismo y la voz se vuelve más áspera, más visceral. Es probablemente uno de los mejores ejemplos de que detrás del compositor de folk-rock existía un guitarrista profundamente enamorado del blues y del rock.

Esta faceta de Stills sería fundamental durante toda su carrera. Su estilo de guitarra podía ser delicado y acústico, pero también podía transformarse en una descarga eléctrica de enorme potencia.

"Go Back Home": el encuentro con Eric Clapton

"Go Back Home" merece una mención especial por la presencia de Eric Clapton.

Escuchar a Clapton y Stills compartiendo guitarras en 1970 es una auténtica fotografía sonora de aquel momento histórico. Ambos representan dos caminos diferentes que confluyen en el blues-rock: Stills desde la tradición estadounidense del folk y el rock, y Clapton desde la extraordinaria tradición británica del blues.

La canción tiene una energía que contrasta con los momentos más contemplativos del álbum y permite comprobar que Stills no necesitaba apoyarse únicamente en sus famosas armonías vocales.

También era un guitarrista capaz de enfrentarse de tú a tú con algunos de los mejores instrumentistas de su generación.

"To a Flame": sensibilidad y elegancia

En "To a Flame" encontramos otra faceta de Stills: la del compositor preocupado por la melodía y por la creación de ambientes.

Es una canción más pausada, donde la interpretación vocal adquiere un protagonismo especial. Frente a la espectacularidad de algunas de las colaboraciones del disco, aquí Stills parece volver a lo esencial.

Es precisamente esta variedad la que hace que Stephen Stills funcione como álbum y no simplemente como una colección de canciones.

Hay rock, hay blues, hay folk, hay gospel, hay soul, hay intimidad y también hay grandes momentos instrumentales.

Un disco que retrata una época

Escuchar Stephen Stills más de cincuenta años después de su publicación permite descubrir algo más que un buen disco de rock.

Es también el retrato de un momento irrepetible de la música estadounidense.

Los grandes músicos que habían protagonizado la revolución de los sesenta comenzaban a entrar en una nueva década. The Beatles estaban a punto de separarse, Jimi Hendrix desaparecería aquel mismo año, y buena parte de la generación que había convertido el rock en un lenguaje cultural buscaba ahora nuevas formas de expresión.

Stills se encontraba exactamente en ese punto de transición.

Había participado en algunos de los proyectos fundamentales de la década anterior, pero todavía tenía mucho que decir. Su primer álbum en solitario demuestra que no estaba dispuesto a vivir exclusivamente de su pasado.

Por eso el disco resulta tan interesante.

No intenta reproducir exactamente el sonido de Buffalo Springfield ni el de Crosby, Stills & Nash. Es una extensión de todo aquello, pero también una declaración de independencia.

Un debut que sigue respirando

Hay álbumes que envejecen porque pertenecen demasiado a su época. Otros, en cambio, consiguen sobrevivir precisamente porque contienen algo esencial que no depende de las modas.

Stephen Stills pertenece a estos últimos.

Por supuesto, "Love the One You're With" es la canción que ha quedado grabada con mayor fuerza en la memoria colectiva, pero reducir el álbum a ese enorme éxito sería injusto.

Canciones como "Do for the Others", "Black Queen", "Go Back Home", "Old Times Good Times" o "To a Flame" permiten descubrir diferentes caras de un artista extraordinariamente completo.

Y quizá ahí esté la verdadera grandeza del disco.

Stephen Stills no necesitaba demostrar que podía componer buenas canciones. Ya lo había hecho con Buffalo Springfield y Crosby, Stills & Nash. Lo que necesitaba demostrar era que podía construir un universo musical propio.

Y lo consiguió.

Escuchar hoy Stephen Stills es regresar a 1970, pero también comprobar que algunas de las mejores obras del rock clásico no necesitan nostalgia para mantenerse vivas. Basta con una buena canción, una guitarra, una voz reconocible y la capacidad de convertir las experiencias personales en música.

Más de cinco décadas después, aquel debut continúa siendo uno de los grandes testimonios de la extraordinaria creatividad de Stephen Stills y una pieza fundamental para comprender el rock estadounidense de comienzos de los años setenta.